Reflexión personal de la historia del arte estudiada

Luego de haber realizado trabajos prácticos y buscado información extra, me siento con mayor capacidad para referirme a temas artísticos. Creo que el hecho de haber plasmado la información requerida en un blog fue muy creativo y de gran ayuda para el estudio de los distintos movimientos del arte entre los siglos XIX y XX. 
Es por estas razones que destaco a mi gusto, los movimientos Surrealistas y el Pop Art, siendo mis obras preferidas representantes de ellos. Estas son el retrato de Marilyn Monroe por Andy warhol y The Victorian Surrealism por Harp, ambos artistas estadounidenses. 

Neoexpresionismo

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El movimiento se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición. Son varios los artistas del expresionismo que sirven de guía a los neoexpresionistas: Max Beckmann, James Ensor, George Grosz, Edvard Munch o Emil Nolde. 

El Neo Expresionismo alemán no es un movimiento homogéneo. Lo componían individualidades de carácter muy marcado. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Fue un movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. Este aspecto es común a otros movimientos europeos contemporáneos como la Nueva Figuración francesa o la Transvanguardia en Italia. 

El desarrollo del Neo Expresionismo se divide en dos momentos principales. El primero lo protagonizan artistas cuyo nacimiento tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial. Son considerados como los fundadores del nuevo estilo. Entre ellos destacan Jörg Immendorff, Penck (Ralf Winkler), Markus Lüpertz.

Cada uno se encamina hacia una tendencia expresiva particular pero poseen rasgos en común. Su temática abarca numerosos motivos que van desde la representación del héroe, mitologías nacionales e individuales hasta símbolos de poder de todo tipo. A pesar de ser figurativos no pretenden realizar una reproducción fidedigna de la realidad. Sus figuras son esquemáticas y tratan de seleccionar los rasgos más expresivos. Esa misma expresividad se busca mediante el grueso empastado de las pinturas al óleo, principalmente. Su gusto por la fusión les lleva también a mezclar arenas, yeso y paja con la pintura. 

La segunda generación estaba formada por pintores nacidos en la década de los años cincuenta. Son mucho más agresivos que los de la primera practicando una plástica de la destrucción y lo feo.

Jörg Immendorff

En obras posteriores Jörg Immendorff convierte sus preocupaciones a la política del mundo del arte, la elaboración y la adición de referencia a partir de un léxico crítico de la historia del arte. En la puerta del Sol, su teatro se ve desde detrás del escenario. La silueta halo de Beuys su mentor, dominando la escena, se representa como un Mago de Oz de la construcción: no es un hombre, pero un museo, siendo lentamente sin embalaje en forma de Jörg Immendorff. Sus formas de hielo, que antes simbolizaban la decadencia de congelación de una nación, se han incorporado las herramientas de la pintura.

Es una de las principales figuras del nuevo expresionismo alemán, junto con George Baselitz y Anselm Kiefer.

Jörg Immendorff de pinturas por primera vez a la prominencia internacional en la década de 1970. Después de haber estudiado con Joseph Beuys en la década de 1960, Immendorff se acerca a la pintura a través de un conceptualista stand-punto, sus trabajos se refieren principalmente a la crisis de la posguerra en la identidad alemana, una relación frenética con la modernidad, y una fe profundamente arraigada en el papel del artista como una fuerza política y social integral. Mito de decisiones está en el centro de trabajo de Immendorff. El desarrollo de su propia marca compleja de simbolismo, sus pinturas se puede leer como una alegoría. Iconografía política, como el águila alemana, la hoz soviética, y el puño trabajador, mezclar, literalmente, con el elenco cada vez más amplio Immendorff de personajes: los políticos y sus amigos artistas. En el corazón es una reescritura de la historia - tanto político como artístico.

Fuentes de la información:

http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8

http://www.arteseleccion.com/movimientos-de/neo-expresionismo-33

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo

http://www.dinaburgarts.com/projects/immendorff.html

Hiperrealismo

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta.

El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. 

Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo:La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Jhon Anibal Herrera Cueva o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

Close, Chuck

Hace grandes retratos a partir de fotografías, tendencia denominada como fotorealismo, suele ser de temática única, rostros de amigos o familiares. El gran tamaño de sus cuadros es la clave de su éxito. Artista reconocido de forma temprana, expuso en el MOMA con 32 años. Al principio pintaba los cuadros mediante una malla sobre la foto y después cuadrícula a cuadrícula lo pasaba al lienzo, luegon en los 80 utiliza otra técnica, "huellas digitales", presionando con el pulgar y el índice sobre el lienzo. Tras una gran enfermedad, trabaja con un pincel atado a la muñeca y al antebrazo, y mueve el lienzo a sus necesidades. En su obra se ve una gran evolución, empieza con hiperrealismo en blanco y negro, passa por el colory la nitidez de la imagen se va disolviendo en pequeños cuadros abstractos que forman un todo, en este caso, el rostro del ser humano

Richard Estes (nacido el 14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor conocido por sus pinturas fotorrealistas. 

Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época. 

Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. 

Estes, también reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento foto-realista internacional de finales de los años sesenta, con artistas como Malcom Morley, Chuck Close y Duane Hanson. 

Las obras de Richard Estes plasman imágenes de rascacielos, escaparates, automóviles y gente en movimiento por la calles neoyorquinas, en un recorrido artístico que comienzó en los años sesenta y llega hasta la actualidad. 

 

Fuente de información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

http://juanmagonzalez.com/directorio_de_artistas/?p=36

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7386

Pop Art

El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.

El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.

El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos,escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología.

Tuvo su origen a finales de los años 1952 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de 1960. Durante este tiempo, los anuncios estadounidenses habían adoptado varios elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas estadounidenses buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas estadounidenses produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".

El Pop Art se divide en cuatro fases

La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.

La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.

Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.

La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.

Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.

Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".

Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia yliteratura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Andy Warhol Guns, 1981-1982 acrílico y tinta de serigrafía sobre lienzo 16 x 20 pulgadas (40.6 x 50.8 cm.) The Andy Warhol Museum, Pittsburgh Founding Collection, Contribución de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

A comienzos de los años ochentas, Andy Warhol pintó una serie de objetos icónicos, que incluían pistolas, cuchillos y cruces. Warhol rechazó la idea de que su obra representaba una crítica social, y se describió más bien a sí mismo como un artista estadounidense que se limitaba a describir su entorno. Esta descripción sugiere que sus pinturas de armas deben leerse de la misma manera que sus imágenes de la Sopa Campbell, Marilyn Monroe, o Coca-Cola—sencillamente, como imágenes de iconos estadounidenses. No obstante, como sucede con muchas de las declaraciones y obras de Warhol, está la superficie de las cosas y luego múltiples significados detrás de ella. La posesión de armas en Estados Unidos es enormemente popular, en parte, porque le da a sus propietarios una sensación de seguridad. La imaginería de Hollywood y los juegos de video contribuyen al atractivo de las armas. El arma es también, a través de su difundido uso y disponiblidad en Estados Unidos, una herramienta de violencia real y corriente. Esta pistola en particular, la pistola corta calibre .32, fue del tipo que utilizó Valerie Solanas cuando intentó asesinar a Warhol en 1968. Al elegir objetos icónicos tan ricos en asociaciones, Warhol se convierte en un observador social verdaderamente ingenioso.

        

Fuente de la información:

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

http://www.warhol.org/sp/aract_guns.html

Op art

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.

Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda. Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los sesenta no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media. Idearon modelos "frescos", que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista "no combinaban".

Vasarely es citado diciendo de esta idea del punto de encuentro entre el arte y la ciencia - que "las dos expresiones creativas del hombre, el arte y la ciencia, se reúnen de nuevo para formar una construcción imaginaria que está de acuerdo con nuestra sensibilidad y el conocimiento contemporáneo" .

Victor Vasarely en Blanco y Negro - 1951-1965

Vega - Victor Vasarely 1957 Acrílico sobre tela 195x130cm

Entre 1951 y 1959, Victor Vasarely continuó trabajando con formas geométricas y también comenzó a pintar todo en blanco y negro. En las obras de este periodo podemos ver el desarrollo de lo que hemos llegado a conocer como Op Art.

En Vega (1957 - a la derecha) - el nombre de la estrella más brillante en la constelación Lira - Vasarely pinta un tablero de ajedrez enorme, su regularidad, perturbado por la curvatura de las líneas que hacen que las plazas.

El cuadro presenta a nuestros ojos con datos contradictorios como se lee una parte del campo en términos de diagonales y otras partes en términos de horizontales y verticales. La pintura casi nos obliga a moverse hacia atrás y hacia adelante y al hacerlo, el campo parece que se mueve - en expansión, la contratación y ondulado. Las bases para el movimiento Op Art se había establecido.

Fuentes de la informacion:

http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm

http://www.op-art.co.uk/victor-vasarely/

Surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París después  de la I Guerra Mundial.  con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Los artífices del surrealismo Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

En el movimiento artístico del Surrealismo, los autores utilizaban una gran diversidad de técnicas que servían de inspiración para los artistas surrealistas, algunos metodos eran: la decalcomanía, el collaje, aerografia, fotomontaje, bulletismo y el ahumeado, entre otros.




Joan Miró (1893-1983)

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia.  También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Fuentes de la información:


http://es.wikipedia.org/wiki/T%C3%A9cnicas_surrealistas


http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

Dadaísmo

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial.Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.

      

Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con anterioridad. Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no significara nada y fuese escojido al azar, algunos dicen que buscando en un diccionario con un cuchillo, otros dicen que era lo único que se entendía de los rusos, da da (si si)”. 

Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó también por:

- Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.
- Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.
- Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.
- Quieren volver a la infancia.
- Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

En cuanto a la gráfica se caracterizó por:
- Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.
- Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.
- Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).
- Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage viene del Dadaísmo.

 Raoul Hausmann

 Raoul Hausmann nació el 12 de Julio de 1886 en Viena, y murió el 1 de Febrero de 1971 en Francia. Fue un artista Dadaísta, escritor, poeta y creador de Collages. Fue el descubridor del Fotomontaje. Su arte fue prohibido y perseguido por el régimen nazi.

Tatlin vive en casa

De acuerdo con el título, la imagen se corresponde con el interior de la vivienda de Tatlin. Raoul Hausmann dispuso los fragmentos de imágenes de tal manera que componen un espacio cerrado con suelo de madera. De la pared izquierda cuelga un mapa. Al fondo a la derecha se adivina un caso de un buque de hélice. No resulta difícil seguir la asociación de ideas: Tatlin ha dejado su cerebro en la peana y lo ha sustituido por un ingenio mecánico. De esta modo queda ilustrada la utopía dadaísta de que el pensamiento emocional se ve sustituido por el pensamiento mecánico. Sólo así, afirmaban los dadaístas, puede crearse el nuevo arte (mecánico), reflejo de un mundo mecanizado, racional y en última instancia pacífico.

Fuente de la información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/08/el-dadaismo-y-sus-caracteristicas/

http://espina-roja.blogspot.com.ar/2011/07/tatlin-vive-en-casa-fotomontaje-del.html

Arte Abstracto

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo. A lo largo del siglo XIX se consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

 Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente. A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.

Muchos creen que el arte abstracto se caracteriza únicamente por el empleo exclusivo de formas geométricas y por su rechazo total de las referencias a la realidad perceptible. Pero esto no es cierto, pues su mayor característica es la manera de considerar, de ordenar y de comprender el universo.

Cabe destacar una importante e innovadora técnica muy utilizada por los artistas del Expresionismo abstracto americano, el “dripping”, que tiene como su principal representante a Jakson Pollok, quien hizo una muy buena utilización de ella en la mayoría de sus pinturas. Esta técnica consistía en dejar chorrear la pintura encina de la tela de una manera automática y violenta.

Así pues, en el arte abstracto no es el lenguaje geométrico lo que confiere su impulso innovador, sino el pensamiento matemático.

Fue liberarse de la arbitrariedad de la apariencia de la naturaleza y de la subjetividad de nuestro temperamento individual, lo que les permitió dominar el mundo.

Para muchos artistas “ la abstracción es una visión verídica de la realidad”. Pero aun así, ellos comprendían que este tipo de pintura era mas incomprensible que la figurativa, por lo que , para acercarse al publico, utilizan la palabra como elemento complementario.

 Se puede decir que la primera obra considerada abstracta fue “Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket” de James McNeill Whistler, donde dio gran énfasis a la sensación visual y no a la representación de los objetos.

Hacia 1874, cuando los impresionistas aún libraban la última batalla genuinamente mimética y naturalista con la representación de la realidad, 36 años antes de la fecha escogida por Wasilij Kandinsky para datar su Primera Acuarela Abstracta,  casi cuatro décadas antes del Cuadrado negro sobre fondo blanco de Malevich, y unos 70 años antes de que Pollock aplicara la técnica del dripping, el crítico de arte John Rushkin acusó al pintor James Abbott Mcneill Whistler de lanzar “un bote de pintura en la cara del público” con su Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket. Con frecuencia, las reacciones de los críticos escandalizados son verdaderas perlas para una escritura de la Historia del Arte, porque ellos mismos son inconscientes de que sus creativos enunciados contribuyen, nombrando lo inmombrado, a normalizar el cambio, de tal forma que sus juicios cargados de sorna y desprecio figuran décadas después como características reconocibles y generalmente aceptadas de las nuevas tendencias.

A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.

Fuente de la información: 

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

http://www.artespain.com/23-12-2009/pintura/caracteristicas-del-arte-abstracto

http://enciclopedia.us.es/index.php/Arte_abstracto

http://caminosdispersos.wordpress.com/category/pintura/